Die folgenden Texte wurden mit Google Translate aus dem Niederländischen übersetzt.
Tess van der Ark – Wartezimmer
Tess van der Ark arbeitet mit Installationen, in denen Irritation, Zweifel und Verwirrung im Mittelpunkt stehen. Sie untersucht, wie Menschen auf soziale Systeme und Alltagsregeln reagieren, und schafft Situationen, in denen das Vertraute auf absurde Weise infrage gestellt wird. In ihrem Projekt *Wachtkamer * versetzt sie die Besucher buchstäblich in eine Situation des Unbehagens: Sie ziehen eine Nummer und betreten ein Wartezimmer, das an die Praxis eines Dorfarztes erinnert. Dort begegnen sie vertrauten Elementen wie Informationsbroschüren, die jedoch subtil verfremdet und ins Absurde verkehrt wurden.
Das Werk regt zur Reflexion darüber an, wie alltägliche Rituale und Erwartungen unser Verhalten lenken und Unbehagen hervorrufen. Van der Ark benennt keine Norm, sondern skizziert Situationen, in denen das Publikum aktiv erfährt, wie soziale Konventionen und Systeme funktionieren und stören. Indem sie die Wachtkamer vorübergehend in einen LKW auf dem Dorfplatz verlegt, verwandelt sie den öffentlichen Raum in ein experimentelles Labor für absurde Interaktion und lädt das Publikum ein, sich der subtilen Spannungen und Verhaltensregeln bewusst zu werden, die unseren Alltag prägen.
Tess van Ark Website: https://tessvanderark.nl/
Atelier De Rökker
Folgendes kann man auf dem Pflegebauernhof De Rökker sehen:
- Art Brut – Arbeiten aus dem Atelier von De Rökker
- Gemälde von Gideon van Gameren
- Skulpturen von Roland Farkaš
Website von Atelier De Rökker: https://www.derokker.nl/
DIE dichters – Worte im Garten
Zu Pfingsten erklingen Gedichte und Lieder an einem der schönsten Orte entlang der KunstenLandschapRoute: im idyllischen Garten des Landguts Het Amelink, De Amelinckshof. Die DIE Dichter – Poets in Enschede – lesen, singen und lassen Worte in die Luft steigen, umgeben von Grün und Stille.
DIE ist der literarische Motor von Enschede. Die Gruppe organisiert das ganze Jahr über poetische Aktivitäten in der Stadt, von Mittagskonzerten im Muziekcentrum bis hin zu Poesiefestivals während der Museumsnacht. Sie spielte auch eine Schlüsselrolle bei der Etablierung der jährlichen Stadtpoetenwahl und veröffentlichte dieses Jahr anlässlich des 700-jährigen Jubiläums von Enschede eine Gedenkanthologie. Kurz gesagt: eine Gruppe, die es versteht, Worte in ein Fest zu verwandeln.
Die Dichter in Enschede (DIE) machen sich mit Gedichten und
Liedern hörbar. Das Wort als Waffe, Liebkosung und Balsam für die Seele. Lauschen Sie geflüsterten Gedichten, Landschaftsbetrachtungen, Liedgedichten und tröstlichen Gedichten.
DIE Dichter sind: Ernst Bergboer, Jos Eertink, Bram Geerlings,
Regine Hilhorst, S. van Tuinen, Margót Veldhuizen, Moes Wagenaar, Arthur Adam ten Cate, Wouter Munsterman, Rineke Kuiper und die junge Dichterin Stella Kensah
Genießen Sie Gedichte und Lieder, trinken Sie eine Tasse Kaffee oder ein erfrischendes Getränk im De Amelinckshof, probieren Sie die Köstlichkeiten – und lassen Sie sich von der verborgenen Schönheit dieses ummauerten Gartens überraschen. In diesem Jahr schlängelt sich die KunstenLandschap vom Dorf Lonneker durch die Twenter Landschaft bis zum Stadtteil Roombeek und passiert dabei über 20 Kunstwerke an Orten, an denen sich Natur und Kunst harmonisch ergänzen. Der Amelink ist einer der schönsten Haltepunkte auf diesem Weg.
Bei schönem Wetter verwandelt sich der Garten in ein wahres Paradies. Aber ehrlich gesagt: Mit den Dichtern ist es drinnen wie draußen immer angenehm.
Het Amelink Estate · 11:00–17:00 Uhr
Website von DIE dichters: https://dichtersinenschede.nl/
Vanda Bednaříková – Ameisen
In ihren skulpturalen Installationen arbeitet Vanda Bednaříková mit der Spannung zwischen physischer Präsenz und Eindringen: Wer oder was wird zum Eindringling in einem Raum – der gewaltige Keramikkörper oder der Besucher, der den Raum betritt? Ihre Arbeit spiegelt kollektive Gefühle der Unsicherheit und Erwartung in unvorhersehbaren Zeiten wider und macht das Unsichtbare greifbar: die unbehagliche Dynamik des Zusammenlebens, die Stille der Abwesenheit und die Spannung der Erwartung.
In ihrer künstlerischen Praxis erforscht Bednaříková das Verhältnis zwischen Mensch, Umwelt und Material. Sie arbeitet mit Ton, wiederverwerteten Objekten und Überresten von Bauwerken, oft inspiriert von natürlichen, parasitären Strukturen wie Termitenhügeln. Große, schräge Keramikskulpturen prägen ihre Installationen als ambivalente Monumente: zugleich Wirt und Bedrohung, Schutz und Gefahr. Klang und Stille werden integriert, um die sinnliche Erfahrung zu intensivieren.
Ihre jüngsten Arbeiten konzentrieren sich auf experimentelle Glasurtechniken, bei denen dünne Schichten die Unmittelbarkeit und Spuren des Entstehungsprozesses bewahren. So wird die Skulptur zu einer „zweiten Haut“, die schützt und zugleich offenbart und die Dualität von Stärke und Verletzlichkeit, Verbergen und Offenbaren betont. Besucher sind eingeladen, aktiv teilzunehmen, ihre eigenen Erfahrungen zu reflektieren und das Verhältnis von Material, Erinnerung und Transformation zu erkunden.
Website Vanda Bednaříková: https://www.vandabednarikova.com/
Nelleke Bosland und Saskia Koster – Das Urinal verpackt
In der Galerie Trafo-3 bilden die Details des Gebäudes selbst den Ausgangspunkt. Die Künstler nutzen die unmittelbare Umgebung – vom Sicherungskasten und den Stahlfensterrahmen bis zum Bürgersteig vor der Tür –, um eine neue Welt zu erschaffen. Dadurch verschwimmt die Grenze zwischen der realen Backsteinstruktur und ihren eigenen Konstruktionen.
Saskia Koster reagiert auf die Dynamik der Stadt. Sie verwendet Restmaterialien abgerissener Gebäude, um präzise neue Strukturen zu schaffen. Traglinien sind zentral für ihre Arbeit; sie fungieren als Stützpfeiler, vergleichbar mit dem Bau eines Gerüsts. Zusammen bilden diese Rohmaterialien Strukturen mit ganz eigenem Charakter.
Nelleke Bosland spielt mit der bestehenden Architektur. Mit bewegten Lichtprojektionen und straff gespanntem Klebeband verwandelt sie die Wände in abstrakte Räume. Durch rhythmische Linien und Spiegelungen entsteht eine Art optische Täuschung, die den Betrachter einen Moment lang zweifeln lässt, ob das Gesehene real ist oder ob er sich in einer digitalen Welt befindet.
In der Galerie Urinoir BEZET verschmelzen die Stile von Nelleke Bosland und Saskia Koster zu einem überwältigenden Gesamtkunstwerk. Mithilfe von Paletten und Schrumpffolie verwandeln sie die vertraute Form des Urinals in ein neues Objekt im öffentlichen Raum. In Anlehnung an den Künstler Christo ist dieses Werk eine Hommage an eine Gemeinschaft, die Kunst schätzt und wertschätzt.
Als Besucher steht man vor einem Gebäude, das seine Form verloren hat; das Urinal wirkt wie ein kostbares Objekt oder eine optische Störung der Realität. Durch die straff gespannte Folie und die Lagen transparenten Klebebands blickt man in eine vibrierende, intensive Tiefe. Die Installation fungiert als passive Batterie: Sie fängt Tageslicht ein und verwandelt es in ein unwirkliches Leuchten, das das kleine Gebäude von innen heraus aufquellen lässt. Selbst ohne Strom verschmelzen die rohen Konstruktionen und die raffinierten Linien zu einer greifbaren Traumwelt, die stündlich ihren Charakter ändert – von einer gewaltigen Explosion in der prallen Sonne bis hin zu einer geheimnisvoll leuchtenden Laterne in der Dämmerung.
Nelleke Bosrand Website: www.nellekebosland.nl
Website Saskia Koster: www.saskiakoster.com
Ger Dekkers – Abstraktionen der Landschaft
Ger Dekkers (1929–2020) gilt als Pionier der Landschaftsfotografie in den Niederlanden. Über sein Werk schrieb er einst: „Mein eigentliches Thema ist der Einfluss unserer Kultur auf die Landschaft.“ Die niederländischen Landschaften mit ihren Poldern, Deichen und Baumreihen seien dafür ein eindrucksvolles Beispiel. In seinen Fotoserien enthüllt er die klaren Linien und Muster der vom Menschen gestalteten Landschaft. Dekkers’ Werk steht in der Nähe von Strömungen der zeitgenössischen bildenden Kunst seiner Zeit, wie etwa abstrakter Geometrie, Konzeptkunst, Land Art, serieller Fotografie, Fotosequenzen und fundamentaler Bildsprache. Dennoch geht er unverkennbar seinen eigenen Weg.
Die Konzeptkunst, die damals aus Amerika einströmte, fand bei Dekkers fruchtbaren Boden. Später konzentrierte er sich auf neu urbar gemachtes Land, das noch unbewohnt war, wo aber die Hand des Menschen in den klaren Linien von Deichen und Gräben deutlich erkennbar war.
Dekkers selbst nannte seine Arbeit Landschaftsbeobachtungen. Er wählte einen Standpunkt, legte den Bildausschnitt fest und hielt die Landschaft in Serien fest. Jedes Bild ist etwas anders, weil Dekkers beispielsweise einen Schritt nach links oder rechts machte. Die identischen Horizonte und Wiederholungen betonen die künstlichen, geraden Linien der Felder, Gräben und Schützengräben.
Ger Dekkers wuchs in Twente auf und studierte von 1950 bis 1954 an der damals neu gegründeten Kunstakademie AKI in Enschede. Nach seinem Abschluss als Grafikdesigner eröffnete er sein eigenes Designstudio, für das er auch intensiv fotografierte. Neben seiner Dokumentarfotografie konzentrierte sich Dekkers ab den späten 1960er Jahren auf freie Arbeiten, in denen er die niederländische Landschaft zunehmend abstrahierte. Werke von Ger Dekkers befinden sich unter anderem in den Sammlungen des Stedelijk Museums Amsterdam, des Kröller-Müller Museums und des Niederländischen Fotomuseums.
Jonathan Doorduin – Der gierige Henry
„Greedy Hendrik“ ist eine interaktive, 30-minütige Filminstallation, in der Film, 3D-Objekte und Theater zu einem immersiven Gesamterlebnis verschmelzen. Wir tauchen ein in das Twente des 19. Jahrhunderts, wo ein lebensgroßer Webstuhl in unerwarteten Momenten zum Leben erwacht und eine physische Tür den Zugang zu einem geheimnisvollen Händler ermöglicht.
Die Geschichte begleitet Hendrik und Griet, die im Sommer Flachs anbauen und daraus im Winter Stoffe weben. Nach einer kurzen Einführung in die traditionelle Flachsverarbeitung kippt die Stimmung. Mit dem Aufstieg der Textilindustrie droht Hunger, bis ein verlockendes Angebot alles verändert. Was als Märchen beginnt, entwickelt sich zu einer düsteren Saga über Gier, Tradition und Entscheidungsfreiheit.
Die Installation schlägt eine subtile Brücke zwischen Vergangenheit und Gegenwart und thematisiert unter anderem die Überproduktion in der (Fast-)Fashion-Industrie. Durch interaktive Elemente wird das Publikum Teil dieses einzigartigen Erlebnisses, das inhaltlich wie visuell faszinierend und einprägsam ist.
Greedy Henry entstand aus einem Cross-Tic-Projekt; nach der Premiere in Oyfo (2024) wurde es in dieser Region nicht mehr vollständig gezeigt.
Webseite von Jonathan Doorduin: https://jonathandoorduin.com/
Roland Farkaš – Skulpturen
Roland Farkaš wuchs in der Slowakei auf; er hat sowohl ungarische als auch Roma-Wurzeln. In seinen Arbeiten verarbeitet er die Geschichten und Materialien seiner Kindheit, in denen das Erbe seines Vaters stets spürbar ist – sein Vater war Korbflechter, und von ihm erlernte Farkaš diese alte Technik.
Weidenzweige, Kupfer und Textilien bilden den Ausgangspunkt für Farkaš. Dabei entsteht eine Form der Kommunikation zwischen ihm und diesen „aufgeladenen“ Materialien; er tritt in einen Dialog mit ihnen. Dieser intuitive Ansatz führt zu Zeichnungen,
Skulpturen und, in jüngerer Zeit, Performances. Dabei sucht er nach neuen Geschichten und einer anderen Art von Sprache, einer Sprache, die wir mit unseren Körpern und nicht mit unserem Verstand verstehen.
In diesem Obstgarten präsentiert er eine Auswahl seiner bestehenden Werke und schafft im Dialog mit der Landschaft innerhalb von drei Tagen eine neue Skulptur.
Facebook Roland Farkaš: www.facebook.com/farkas.x
Sep Friesema – Wandern im Orgaan Sund
Sep Friesema schloss ihr Bachelorstudium im Bereich Bewegtbild an der AKI ArtEZ Academy of Art & Design ab. In ihrem Abschlussfilm erkundet sie die Grenze zwischen Mensch und Natur und zeigt, dass diese Konzepte nicht strikt voneinander getrennt werden können. Durch die Kombination von Naturaufnahmen , Schnitt, Sounddesign und Performance erschafft Friesema neue, surreale Welten, die vertraut und zugleich beunruhigend wirken.
Im Rahmen von KunstenLandschap präsentiert Friesema ihre Arbeit im historischen Teehaus „Sprakel in het Bos“. Das Gebäude, das im Zweiten Weltkrieg von den Deutschen für militärische Zwecke beschlagnahmt und später umgenutzt wurde, bietet einen Kontext, der das Thema ihres Films – das Verhältnis von Geschichte, Natur und menschlicher Präsenz – unterstreicht. Ihre Arbeit lädt das Publikum dazu ein, über das Zusammenspiel von Mensch und Natur nachzudenken und eröffnet eine neue Perspektive auf vertraute Umgebungen.
Friesemas Film ist eine Einladung, Schönheit, Unbehagen und Staunen zu erleben, und passt somit in das Profil von KunstenLandschap als einem Weg für investigative, kontextspezifische visuelle Kunst.
Webseite von Sep Friesema: https://sfadoresyou.com/
Gideon van Gameren – Gemälde
Gideon van Gameren (geb. 1998) schloss 2025 sein Studium an der AKI ArtEZ Academy of Art & Design in Enschede ab. Er schafft großformatige, farbenfrohe Gemälde, die auf den ersten Blick abstrakt wirken. Seine ausdrucksstarken, fließenden Pinselstriche und Farbspritzer offenbaren eine dynamische Dynamik, als könne ihm der Schwung jeden Moment entgleiten.
Bei genauerem Hinsehen erkennt man figurative Elemente zwischen den Farbflächen. Durch die Titel seiner Werke gibt Van Gameren Aufschluss über seine Inspirationsquellen. Er stellt Szenen aus der Werkstatt seiner Eltern nach. In dieser Werkstatt, die sich neben dem Familienhaus befindet, werden Wohnmobile repariert und vermietet. Ausgehend von dieser Arbeit erforscht er die Beziehung zu seiner Familie, aber auch das Verhältnis zwischen Häuslichkeit und Arbeit.
Wer mit einem Heimbetrieb aufgewachsen ist, weiß, was das bedeutet: Die Arbeit hört nie auf. Privatleben und Arbeit verschmelzen oft. Doch die Gemälde dieser Serie sind frei von Dramatik. Mit präzisen Linien schildert Van Gameren in dem Werk „Schweißhelm“ eine gebeugte Gestalt, verborgen hinter einem Schweißhelm. Die gelblich-weißen Lichtstrahlen, die beim Schweißen entstehen, heben sich wie ein rasiermesserscharfes Kreuz vom dunklen Hintergrund ab.
In „Achterbak“ (2025) verwendet Van Gameren ebenfalls kontrastierende Farben. Aufwärts spritzende Wasserstrahlen deuten auf einen unerwarteten Moment während der Reparatur hin. Nicht ohne Humor präsentiert sich das großformatige Werk „De teen van mijn vader“ (2024). Vor hellem Hintergrund ragt ein Bein absurd in die Luft, wobei der Fuß deutlich sichtbar ist. Darüber befinden sich zwei große Finger, die dem Ganzen eine verzerrte Perspektive verleihen. Damit fängt Van Gameren ein Familienmerkmal ein: Wenn sein Vater etwas im Kopf berechnen und ausrichten muss, betrachtet er mit einem Auge seinen großen Zeh.
Gideon van Gameren-Website: https://gideonvangamerenkunst.cargo.site/
Poal und die Bennies – Geschichten und Musik aus dem Herzen von Twente
Es gibt Aufführungen, die einem im Gedächtnis bleiben. Nicht weil sie großartig sind, sondern weil sie so authentisch sind. „Poal en de Bennies“ ist eine davon.
Paul Abels – Schriftsteller, Verleger und Kolumnist der Tageszeitung Tubantia, wo er zweimal wöchentlich die Kolumne „Korte Metten“ über Alltagssituationen und Erinnerungen im unbeschwerten Stil von Twente schreibt – betritt die Bühne mit einem reichen Fundus an Geschichten. Meistens handeln diese Geschichten von Tod, Liebe, der Vergangenheit und dem Aufwachsen in Lonneker. Wie man leben sollte. Worüber sollte man sonst schreiben?
Paul ist in Lonneker geboren und aufgewachsen, und das merkt man. Seine Wurzeln in Twente schwingen in jeder Geschichte mit. Seine romantische und doch unverkennbar von Twente geprägte Lebenseinstellung steht im Mittelpunkt seiner mitunter intensiven Erzählungen, die er in präziser und lebendiger Sprache verfasst. Er liebt Obdachlose und Außenseiter, Individualisten mit einer guten Geschichte.
An seiner Seite steht Bennie Waanders. Bennie steuert wunderschöne Musik auf Saxophon und Keyboard bei. Er beteiligt sich aber auch aktiv am Gespräch. Mit dem Saxophon untermalt er die Geschichten, manchmal greift er zur Gitarre – immer genau richtig, nie zu viel.
Tiefgründige Geschichten über das Leben und die Vergangenheit, aber auch gesellige Anekdoten. Alles ist durchdrungen von Kannogwa unbeschwerter Lebensfreude.
Humorvoll. Bewegend. Lebensnah.
Poal en de Bennies ist eine Aufführung für Menschen, die wahre Geschichten lieben, Musik, die spricht, und einen Ort, an dem man gemeinsam lacht und für einen Moment in Stille versinkt.
Und noch schöner ist es, dies in der römisch-katholischen Kirche St. Jakobus des Älteren, gegenüber dem Geburtshaus des Paulus, zu sehen. Pfingstsonntag und Pfingstmontag jeweils um 14:00 Uhr.
Pip Greenaway – Prolog
Prolog präsentiert eine 112-minütige, verlangsamte Aufnahme einer Person, die zwanghaft Kaugummi kaut, während Wasser über ihr Gesicht fließt. Diese Performance verkörpert die Transformation des Menschen zu einem unerwünschten Nebenprodukt des Konsums: erst begehrt, dann weggeworfen. Durch den eindrucksvollen Einsatz von Ästhetik, Klang und Licht wirft das Werk eine absurde und doch ernste Frage nach unserer Identität in einer Welt der Reizüberflutung auf.
Pip Greenaway, Absolventin der Royal Academy of Art (KABK), wurde mit dem Lakeside Collection Award 2025 ausgezeichnet. Sie wurde aus 26 vielversprechenden Künstlern ausgewählt, die von der Ron Mandos Young Blood Foundation für den Preis „Best of Graduates 2025“ nominiert worden waren. Die Jury lobte ihre Fähigkeit, eine vielschichtige Geschichte über Überkonsum und die Suche nach Unabhängigkeit innerhalb eines kapitalistischen Systems zu erzählen.
„Prolog“ ist Teil der Installation „Zu viel zum Schlucken“.
Webseite von Pip Greenaway: https://pipgreenaway.com/
Tara Haghi – Gemälde
Tara Haghi (IR/NL) ist eine im Iran geborene bildende Künstlerin, die an der AKI ArtEZ ausgebildet wurde. In ihrer investigativen Malerei nutzt sie die alltägliche Stadtlandschaft als Mittel zur Verfremdung und Bedeutungsverschiebung. Ihre Arbeiten gehen von erkennbaren niederländischen Straßen und Gebäuden aus, oft in Enschede, die sie jedoch aus ihrem funktionalen und geografischen Kontext herauslöst.
Durch den bewussten Einsatz von Farbe, Licht und Perspektive verwandelt Haghi diese Umgebungen in ambivalente Räume, in denen Realität und Fantasie verschmelzen. Die Gemälde fungieren als mentale Landschaften, die Themen wie Identität, Heimat und kulturelle Entwurzelung reflektieren. Damit knüpft ihr Werk an aktuelle gesellschaftliche und künstlerische Debatten über Migration und Positionierung in der zeitgenössischen bildenden Kunst an.
Haghis Werk zeichnet sich durch eine konsistente Bildsprache und eine klare künstlerische Entwicklung innerhalb der zeitgenössischen figurativen Malerei aus. Ihre zunehmende Ausstellungstätigkeit, sowohl regional als auch national, unterstreicht ihr Potenzial und ihre Bedeutung als bildende Künstlerin.
Website Tara Hachi: https://taranest.com
Sietse Henselmans – Holly Glen
Sietse Henselmans präsentiert eine skulpturale Installation, in der Alltagsarchitektur und soziale Interaktion im Mittelpunkt stehen. KunstenLandschap platziert seine komplette Küche mitten in den Lonnekeres, unter einer imposanten, uralten Eiche in einer offenen, kargen Landschaft. Indem er diesen intimen, vertrauten Innenraum in einen öffentlichen und leeren Außenbereich stellt, entsteht eine poetische Spannung zwischen Innen und Außen, Nähe und Distanz, Privatheit und Gemeinschaft.
Die Küche dient als Ort der Begegnung und der Kontemplation. Das Werk untersucht, wie vertraute Räume soziale Rituale und Verhaltensweisen prägen und wie sich ihre Bedeutung verändert, wenn der Kontext gestört wird. Indem Henselmans die Küche buchstäblich aus ihrem gewohnten Umfeld herauslöst, lädt sie die Öffentlichkeit ein, vertraute Routinen, materielle Kultur und Interaktionen neu zu erleben und über die Rolle von Alltagsgegenständen in unserem Leben nachzudenken.
An Position 4 zeigt Sietse Henselmans ein Video über die Holly Glen-Installation.
Sietse Henselmans-Website: https://sietsehenselmans.cargo.site/
Kalliopi Ioumpa – Die Farbe der Leere
Kalliopi Ioumpa ist Künstlerin und wissenschaftliche Forscherin. In ihrer Multimedia-Installation „The Color of Void“ untersucht sie, wie Realität ständig konstruiert, dekonstruiert und neu geformt wird.
Im Zentrum des Werkes steht die Ruine eines Hauses, ein lebendiges Archiv, das sowohl Symbol als auch Erinnerungsort ist. Erinnerung und Fantasie verschmelzen zu „Geistern“, die die Erfahrung im Hier und Jetzt prägen.
Durch dieses Zusammenspiel thematisiert die Installation die zyklische Natur von Anfang und Ende und reflektiert darüber, wie das Entstehen des Neuen untrennbar mit dem Loslassen des Alten verbunden ist, wobei der Übergang als ein kontinuierlicher, vielschichtiger Prozess betrachtet wird.
Abwesenheit hinterlässt Spuren; die Steine der Ruine, zerbrechliches Glas, Video, Audio und Duft schaffen ein Gesamterlebnis, das versucht, diesen Spuren zu folgen.
Kalliopi Ioumpa-Website: https://kalliopiioumpa.com
Thomas van Poppel – Solus
In meiner Arbeit erforsche ich, was zunehmend verloren geht: Stille, das Spirituelle und das Greifbare. Ich versuche, die Realität neu zu entdecken und zu definieren und eine Welt jenseits des Lärms sichtbar zu machen. Mit Licht, Fotografie, Video und Klang schaffe ich immersive Umgebungen, die zur Konfrontation und Kontemplation einladen und Raum für Reflexion und eine erneuerte Verbindung zu den intuitiven und poetischen Aspekten des Daseins bieten.
Thomas van Poppel Website: https://thomasvanpoppel.com/
Laith Al Rahmani – Unwohlsein bewohnen
Laith Al Rahmani nutzt Keramik als Ausdrucksmittel für Identität und persönliche Erfahrungen. Als queerer Künstler aus dem Nahen Osten erforscht er mit diesem Material Ängste, Entfremdung und Verletzlichkeit. Seine kinetische Installation „ Inhabiting Discomfort“ besteht aus sorgfältig gefertigten Keramiktellern und bildet einen meditativen, rhythmischen Raum, in dem Klang, Bewegung und Balance zusammenfließen. Besucher sind eingeladen, sich dem Werk hinzugeben und gleichzeitig Spannung und Vertrauen zu erleben: Das Ganze bewegt sich und schwingt mit, bleibt aber dennoch stabil – eine Metapher für Verletzlichkeit und Widerstandsfähigkeit.
Die Präsentation in einem alten Stall am Fuße des Lonnekerbergs verstärkt den Dialog zwischen dem rohen, robusten Charakter des Raumes und den filigranen, präzisen Keramikformen. Durch diese Kontraste entsteht ein intensives physisches und sinnliches Erlebnis, das die poetische und haptische Qualität von Al Rahmanis Werk hervorhebt.
Laith Al Rahmani-Website: https://laithrahmani.com/
Yunji Song – Sounds Like Home
In „Sounds Like Home“ erkundet Yunji Song die Themen Heimat, Erinnerung und Vertreibung mittels Klang und Bild. Das Werk basiert auf ihren Erfahrungen mit sechzehn verschiedenen Wohnungen, deren Umzüge jeweils durch Gentrifizierung und Stadterneuerung bedingt waren. Die ständigen Umzüge spiegeln die Instabilität wider, die durch finanzielle Unsicherheit und den Mangel an dauerhaftem Wohnraum entsteht.
Sounds like home konzentriert sich auf fünf ehemalige Wohnhäuser, die jeweils in ein Klangstück übersetzt wurden, das versucht, ihre einzigartige Klangidentität inmitten ständiger Veränderungen zu bewahren.
Mit dem Verlust der Bewohner – der Menschen, die in der Architektur leben – schwinden auch deren Gewohnheiten, Beziehungen und das Gefühl der Verbundenheit mit dem Ort. Obwohl viele dieser Häuser bereits abgerissen wurden, fängt das Werk die Überreste nicht mehr existierender Räume durch räumliche Audiotracks, geätzte Grafiken, Fotografien und Monotypien ein.
Yunji Song-Website: https://yunjisong.info/
Lea van Vlodrop – Sprache, Zeichen und Symbole
Lea van Vlodrops Werk ist geprägt von ihrem Interesse an Sprache, Zeichen und Symbolen.
Ihre Gemälde und bemalten Objekte betonen die unsichtbare Verbindung zwischen dem Persönlichen und dem Universellen, die allem innewohnt, und schlagen Brücken zwischen dem Bewussten und dem Unbewussten. Fasziniert von der Kraft der Symbole, vielfältige Bedeutungen – wie Gedanken, Ideen, Verbote, Regeln, Mythen, Geheimnisse oder Erzählungen – zu umfassen, nutzt sie dieses Potenzial in ihren Werken, um zu hinterfragen, wie wir uns zu dem verhalten, was sich scheinbar mühelos mit unseren Augen erfassen lässt.
Lea van Vlodrop Website: https://www.leavanvlodrop.com/
Emma Wijnsma – Wie viel kannst du tragen?
Wie viel können Sie tragen?
Weltweit gibt es genug Kleidung für sechs Generationen, und doch kaufen wir immer weiter. In dieser Arbeit mache ich das greifbar, indem ich einen Mechanismus einsetze, der es mir erlaubt, meine gesamte Kleidung Stück für Stück anzuziehen. In Fotos und Videos wächst der Kleiderhaufen zu einer schweren, fast schon komischen Last an.
Die Installation lädt uns ein, innezuhalten, ohne Schuldgefühle, aber mit Achtsamkeit, um über unser Kaufverhalten nachzudenken und das zu schätzen, was wir bereits besitzen.
Instagram Emma Wijnsma: https://www.instagram.com/studiodilemma/